Suejin Chung

Born in 1969, South Korea

Lives and works in Seoul, South Korea

정수진의 회화는 '시각'과 '인식' 사이에 존재하는 낯선 차원들을 탐구하며, 색과 형의 불가분한 상호작용을 통해서만 드러나는 '다차원 평면'을 정립하려 한다. 작가가 독자적으로 구축한 '부도(不圖) 이론'은 형태의 기본 단위를 체계화한 '부도 코드'를 도입함으로써 시각 형상의 정밀한 식별과 구조적 분석을 가능케 한다. 이는 한국 현대미술의 오랜 관행이었던 서사 중심 혹은 감정 과잉의 문맥주의에서 탈피하여, 철저히 형상 구조 중심의 객관적 사유로의 전환을 이끌어냈다는 점에서 기호학적·형식주의적 성취를 보여준다. 그녀의 회화와 이론적 저술은 시각예술의 구조가 결코 자의적인 우연이 아니라, 인간의 의도적 의식이 지닌 고유한 층위에 근거하고 있음을 명확히 제시한다.

그러나 이러한 철저한 구조화와 변증법적 논리 싸움은 정수진의 작업에서 거대한 양날의 검으로 작용한다. 격자(그리드) 위에 위계 없이 배열된 이질적인 도상들과 뇌해(腦海) 연작의 과밀한 밀도는 시각적 긴장감을 자아내지만, 한편으로는 회화를 지나치게 차가운 '이론의 증명 도표'로 전락시킬 위험을 내포한다. 화면을 지배하는 개념의 과잉과 기호학적 정밀함은 관객이 회화 매체 자체에서 즉각적으로 감각해야 할 순수한 조형적 직관과 물질적 해방감을 오히려 방해하고 억압하는 한계를 노출한다. 그럼에도 불구하고, 이토록 치열하게 시각과 인식의 역설적 관계를 교정하려는 그의 이론적·회화적 실험은 현대 회화의 구조적 가치를 성찰하게 만듦과 동시에 작가의 시각으로 완성된 미술적 이론에 담론을 형성하여 가치를 부여한다.

Suejin Chung’s paintings explore the unfamiliar dimensions between vision and cognition, seeking to establish a "multidimensional plane" that manifests solely through the inseparable interaction of color and form. The "Budo Theory," independently formulated by the artist, introduces the "Budo Code"—a systemization of the foundational units of form—enabling precise identification and structural analysis of visual shapes. This marks a significant semiotic and formalist achievement, departing from the narrative-driven or emotionally fraught contextualism that has long characterized contemporary Korean art, and shifting toward an objective mode of thinking centered strictly on formal structure. Her paintings and theoretical texts clearly demonstrate that the structure of visual art is not an arbitrary occurrence, but is instead grounded in the inherent strata of intentional human consciousness.

However, this rigorous structural framework and dialectical logic operate as a profound duality within Chung's practice. While the heterogeneous iconography arranged non-hierarchically across a grid and the dense configuration of her Brain Sea series generate an intense visual tension, they simultaneously risk reducing painting to a detached, sterile diagram illustrating a theory. The conceptual excess and semiotic precision dominating the canvas reveal a clear limitation, inadvertently obstructing and suppressing the pure plastic intuition and material liberation that the viewer should immediately experience through the painterly medium. Nonetheless, her theoretical and artistic experiments—striving so fiercely to recalibrate the paradoxical relationship between sight and perception—stand as a singular achievement that compels a critical reconsideration of the structural value of contemporary painting.